也有老师谢飞在，能最大程度保留电影，不会有太多删改。」

    但问题也随之而来，并且是致命的技术问题。

    首当其冲的，就是剪辑。

    郑辉闭上眼睛，脑海中自动播放起《爆裂鼓手》的经典片段。那不仅仅是一部音乐片，那是一部披着音乐片外衣的动作片！

    这部片子的剪辑，是灵魂。

    在原版电影中，剪辑师汤姆·克洛斯使用侵略性的剪辑手法。

    为了制造让人窒息的紧张感，他大量使用了快速剪辑。

    每一个鼓点的落下，每一次鑔片的震动，导师弗莱彻那暴突的青筋，安德鲁指尖渗出的鲜血，这些特写镜头以几分之一秒的速度在屏幕上疯狂切换。

    不仅如此，为了表现师徒之间剑拔弩张的冲突，原版电影在剪辑时故意打破了经典的「180度越轴规则」。

    在对话场景中，镜头频繁越轴，让观众在潜意识里产生空间混乱感和心理压迫感。

    还有那些代入感极强的主观镜头。镜头跟随着安德鲁的视线，死死盯着那张布满密密麻麻音符的乐谱，盯着导师那只随时会做出残酷手势的手。

    「这种剪辑逻辑，现在的国内剪辑师，有谁能懂？」

    1999年，国内的电影剪辑还停留在传统的阶段。绝大多数电影都在追求长镜头的呼吸感，追求蒙太奇的诗意。

    如果他把《爆裂鼓手》的素材交给现在的剪辑师，并告诉对方：「我要你跟着爵士乐的切分音来切画面，每秒钟给我切四个镜头，而且要故意越轴。」

    对方一定会以为他疯了。

    更要命的是硬体条件，现在是胶片时代！

    数码摄像机虽然有了，但根本达不到院线电影的放映标准。大家用的都是阿莱、潘那维申的胶片机。

    胶片剪辑是怎麽剪的？那是真正的剪刀加浆糊！剪辑师要坐在拉片机前，一格一格地看胶片，看准了位置，用剪刀咔嚓一刀剪断，然後再用专用的透明胶条，把两段胶片物理拼接在一起。

    在那种原始的物理剪辑状态下，要完成《爆裂鼓手》那种癫狂的碎切，工作量和容错率都是灾难级的。一旦剪错一格，胶片就废了。

    至於电脑非线性剪辑，虽然国外的Avid系统已经开始普及，但在国内，这玩意儿不仅贵得离谱，而且用得溜的人凤毛麟角，大部分老一辈剪辑师连滑鼠都握不稳。

    「不行，剪辑这件事，绝不能假手於人。」

    凭藉系统赋予的满级後期剪辑能力，他完全可以自己动手在胶片拉片机上剪，虽然会累得半死，但这片子的节奏，只有他自己能精准卡在每一个灵魂的鼓点上。

    想通了剪辑，郑辉的思路顺着滑向了下一个重头戏—配乐。

    如果说剪辑是《爆裂鼓手》的骨骼，那配乐就是它的血液。

    《Whiplash》和《Caravan》。

    这两首经典的爵士乐，贯穿了整部电影的始终。这部电影最大的出彩之处，就是音画的高度配合。

    音乐不再是烘托情绪的背景音，而是直接参与叙事、推动情节发展的主体。

    「国内现在根本找不到顶级的爵士大本营。」

    「流行乐、摇滚乐、民乐，国内都有大师。但这种极度追求即兴、切分、反拍的硬核爵士乐大乐队，国内现在是一片荒漠。」

    「看来，真到了要拍的时候，配乐这一块，可能得花重金去让环球在国外找专业的爵士大乐队来录制了。

    这笔钱省不下来，哪怕是谢飞老师或者韩三坪，在爵士乐这一块的人脉也是空白，还得靠我自己。」

    解决了技术层面的构想，最核-->>

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